Namn: Louise Rossiter
Var bor du / arbetar: Ursprungligen var jag baserad i Skottland, och det var där jag avslutade min grundutbildning och magisterexamen, nu är jag baserad i Leicester för doktorsexamen vid Musik, teknik och innovationsforskningscenter, De Montfort University.
Personlig hemsida: www.louiserossiter.com
Favoritransformationer
– Chorus
– Delay
– Filter
– Granulation
– Panning
– Reverb
-Transposition
1. Hur skulle du beskriva din musik?
Jag komponerar främst akusmatisk musik som jag sedan diffuserar över flera högtalare. Mycket ofta undersöker ljudet på en viss plats även om jag nyligen har rört mig bort från det och verkligen utforskat potentialen för enskilda ljudtyper.
2. Om du var tvungen att använda genekategorierna för att beskriva din musik, vilka skulle det vara?
Elektroakustisk
Gestisk
Ljudlandskap
3. Vilka typer av ljud tycker du om när du komponerar?
Det beror verkligen på vilken typ av verk jag komponerar och varför. Om jag exempelvis nyligen har rest till en intressant plats där jag inte har varit tidigare, är det mer troligt att jag väljer ljud jag spelar in medan jag är där. Jag slutförde nyligen ett arbete baserat på en resa till Peking, Xi’an och Chengdu i Kina. I det här verket använde jag en mängd olika ljud av olika skäl – från den kinesiska nationalsången, eftersom vi inte ofta hör den i Storbritannien, till ljudet av cyklar i hutongs (små gator) till tempelchant, till panda-samtal, till ett gammalt instrument som kallas Xun och spelade ’Auld Lang Syne’ som uppenbarligen slog an hos mig eftersom jag är skotsk. Så i ett stycke där jag utforskar platser brukar jag välja ut ljud för att arbeta med det som jag finner ovanligt.
Om jag skapar ett mer abstrakt verk, letar jag efter ljud som har mest potential när jag arbetar med dem i studion. Ibland väljer jag källljud som är ovanliga – jag skrev en gång ett stycke som heter ’Black Velvet’ som gjordes av en burk Guinness- och ibland från föremål som ofta används i akusmatisk musik – till exempel glas – i ett försök att se vad jag kan göra annorlunda och hur jag kan skapa konstiga och underbara ljudvärldar från dessa ursprungliga ljud.
4. Vad gör dessa ljud till dina favoriter?
Vanligtvis för att de antingen är ovanliga eller kan manipuleras till något riktigt ovanligt. Eller för att de påminner mig om en viss plats.
5. Finns det några ljudmanipulationer som du använder frekvent?
6. Varför är dessa manipulationer dina favoriter?
Jag tycker att dessa manipulationer verkligen tillåter mig att utforska potentialen för ljuden som jag arbetar med. Jag skulle beskriva det som att man skalar av lagren på en lök eftersom det finns många lager att arbeta igenom. Samma sak är samma med ljud.
7. Hur börjar eller kommer du på en idé för en komposition? Använder du personligen ett liknande tillvägagångasätt varje gång? Eller är det alltid annorlunda?
Nyligen har jag funnit att jag medvetet försöker närma mig varje komposition från en annan vinkel. Det beror verkligen på vad mitt mål är för varje komposition. Om det är en beställning måste jag uppenbarligen se till att idéerna jag utforskar i stycket uppfyller kraven, men ibland bestämmer jag mig för att utforska något i detalj som jag inte riktigt har testat tidigare. Så till exempel har jag nyligen avslutat ett verk som verkligen utforskar gestik, men som också ljud i rum. Som kompositör är jag ganska förtjust i textur, så var detta en utmaning, men på samma gång hjälpte det mig att inse hur jag kan utveckla och använda gester i mitt kompositionsarbete.
8. Vilka kompositörer /musiker är en inspiration för dig?
Handel
Debussy
Sibelius
Rachmaninov
Mahler
Arvo Part (sorry, cant get umlauts)
Jonty Harrison
Pete Stollery
Francis Dhomont
Gilles Gobeil
Francois Bayle
John Young
9. Vad är det med den här musiken som engagerar dig så mycket?
Jag hade en klassisk musikutbildning. Jag avslutade en grundexamen vid University of Aberdeen, där jag främst var pianist, violaspelare och slagverkare, innan jag upptäckte elektroakustisk komposition.
Som ett resultat av det har särskilt kompositörer som Debussy, Handel, Part, Mahler och Sibelius fortfarande ett verkligt inflytande på mig. Det sätt som de konstruerar landskap genom instrumentering och hur de förmedlar känslor är bara otroligt, liksom hur deras musik håller dig engagerad i hela stycket.
När det gäller de elektroakustiska kompositörer varierar orsakerna. Vissa, som Pete Stollery, har gått från att använda riktigt abstrakta ljudobjekt i tidigare verk, till att fokusera på ljuden i vår vardag och ge ljud som annars kan ignoreras vid bortgången av ett annat liv. Jonty Harrisons ’Klang’ var en av de första bitarna med elektroakustisk musik jag hörde i min grundutbildning, och när jag lärde mig att uppskatta den har han fortsatt att påverka mig. Han har också komponerat verk med mer än 70 högtalare samtidigt – vilket är skrämmande. Ändå, trots den komplexiteten, lyckas han fortfarande!
Francis Dhomont och Francois Bayle är verkligen två av de viktigaste pionjärerna i fältet, och återigen är extremt inflytelserika. De verkar båda ha förmågan att presentera ett ljud och omvandla det omedelbart till en kontrasterande men ändå fängslande ljudvärld. Gilles Gobeils musik har alltid fascinerat mig eftersom det verkar fokusera på mekaniska ljud. Jag känner ofta igen återkommande ljud i olika stycken, men jag blir aldrig uttråkad! Eftersom hans stycken verkligen är gestiska, är de roliga att diffusera också.
John Youngs musik är också hypnotisk. Liksom ett antal kompositörer finns det alltid vissa ljud som ger dig ledtrådar om att det är en viss kompositörs musik, men en av de saker som verkligen fascinerar mig är hur Young använder gestik, tonhöjd och ljudmaterial. Ganska ofta tror jag att jag lyssnar på ett musikstycke över åtta högtalare, när det faktiskt bara är över två.
10. Kan du välja ett kort avsnitt från en av dina egna stycken och beskriver hur du skapade det?
Black Velvet (2010) är ett mycket tidigt arbete av mig, skrivet i slutet av min grundexamen vid University of Aberdeen. Det var ett stycke då jag verkligen började upptäcka min egen kompositionsröst och har fungerat som en språngbräda för många av de stycken som jag har komponerat sedan. Jag blev också ombedd att ha premiären av verket på BEAST (ett mycket stort högtalarsystem) framför Jonty Harrison, Pete Stollery och Adrian Moore, så jag är verkligen stolt över att ha gjort det!
Black Velvet använder en Guinness-burk med en grej som enda ljudkälla. En av de saker jag alltid gör är att improvisera med min valda ljudkälla på inspelningsstadiet. Så jag spelade in öppnandet av burken, gasen släpps ut, vätskan hälls ut, grejen som skramlar inuti burken och sedan skrynkladet burken.
Sedan improviserar jag igen med ljuden i ProTools, med olika processer och transformationer tills jag skapar några nya ljud som jag verkligen gillar.
11. Vad försökte du förmedla till lyssnaren i detta utdrag?
I ’Black Velvet’ ville jag skapa en ljudvärld som du kanske hör i en massiv fabrik. Det finns en konstant puls i början av stycket, vilket kan vara ett slags maskineri (ett direkt inflytande från Gobeil förmodligen). Känslan skapas när spänningen byggs upp, dunkandet av ’maskinerna’ går snabbare och snabbare tills det inte kan upprätthållas, och allt bryts helt plötsligt.
12. Om du gav några allmänna råd till någon som började komponera ett verk, vad skulle det då vara? Vad är det viktigaste att komma ihåg när du komponerar?
1. Bra val av ljudmaterial…
Jag håller alltid öronen öppna för nya och intressanta ljudobjekt – saker som kanske inte hörs så ofta inom akusmatisk musik.
2. Spela!
Jag tycker personligen att spelandet är en avgörande del av kompositionsprocessen. Improvisa med ditt ljudobjekt – gör saker som du normalt inte skulle göra och bryt ner det för varje tänkbart ljud! Ofta blir du förvånad över ljuden som kommer ut. Tänk utanför lådan. Spela in alla dina improvisationer. Jag tycker att det här stadiet i kompositionen är snarare som när man skalar av lagren på en lök för att avslöja nya ljud som sedan kan användas senare.
3. Lyssna…
Mitt nästa steg är att lyssna på vad jag just har spelat in – i ett stängt rum utan distraktioner … ett reducerat lyssnande. Jag redigerar eventuellt skräp (klipp etc) men skriver också anteckningar om ljudets egenskaper. Är de gestiska? Vad påminner de mig om? Osv. Sedan börjar jag redigera ljudutdragen som jag definitivt vill använda. Jag är väldigt kräsen. Vanligtvis kan jag spela in 1 eller 2 timmar material, men slutar använda 5 minuter i mitt slutliga arbete. Men jag kastar aldrig något helt.
4. Komponera!
Improvisera med olika program och plugins – det är det som bryter igen, men den här gången med plugins och transformationer. Skriv ner allt – det är avgörande. Lägg olika effekter ovanpå varandra, ändra inställningar i realtid, gör något helt galet som du vanligtvis inte skulle drömma om att prova … Dessa kan ibland ge några riktigt intressanta resultat.
5. ALLTID… hålla en kompositionsdagbok. Du har ingen aning om när du vill gå tillbaka till receptet för det fantastiska ljud du gjorde för 3 år sedan.
6. Lyssna (del 2)… Lyssna med någon annan i studion och lär dig att vara kritisk till ditt eget arbete. Lämna INTE något i ett stycke om du inte tror att det fungerar.
7. Studioettikett… Arbeta rent … Som om du lagar mat hemma i köket. Namnge alla dina ljud och notera i din dagbok. Detta sparar tid och arbete till senare.
8. Om du fastnar…s
a. Kasta ALDRIG någonting bort, lägg den åt sidan och gör något annat.
b. Lyssna på massor av andra verk av andra kompositörer. De kan inspirera och lära dig massor utan att låta dig låta som dem.